viernes, diciembre 29, 2006

Vero's Top Films 2006

El año se va cerrando y quiero dejar constancia de las películas que pasaron por nuestra cartelera en el 2006 y que considero un must see. Si no las vieron, consigan el DVD, les prometo un casi buen rato, digo casi porque de gustos y colores... Sólo tomaré en cuenta las pelis reseñadas en este blog:

Quédese en línea... En el 2007 los redactores de EBC vienen reloaded.

viernes, diciembre 15, 2006

Todo acerca de Eragon

La visión del universo de Alagaësia
Un mundo medieval donde existe la magia, una orden de jinetes de dragones llevaban la justicia al reino. Los poderosos dragones con sus jinetes impiden guerras y buscan llevar paz al reino.

Sin embargo todo poder degenera, y uno de los jinetes ha caido en la tentación del poder y traiciona a sus compañeros. Los dragones han muerto y entre los sobrevivientes Galbatorix (*) se levanta como Rey. Hasta este punto todo bien. (La película se desarrolla con una narración increible sobre la leyenda de los dragones y sus jinetes).

Durza el leal servidor de Galbatorix (John Malcovich) persigue a la joven Arya y antes de ser capturada lanza un hechizo (**) sobre una gema para enviarla lejos de ahi. En otro lugar un joven granjero la encuentra. (Hey! ***)

El granjero descubrirá que la gema es un huevo de dragón. Shapira en un principio debil y si habilidades crecerá al ser tocada por un trueno. Una nueva dragón ha nacido.

Aca la película sufre un duro golpe narrativo y se vuelve una pobre imitación de un nivel de entrenamiento de un video juego de rol. Triste pero cierto, los errores de tiempo son constantes y la historia se vuelve sosa. Se ha roto el orden natural de las especies y también de la película.

Tonterias:
- De Granjero a heroe sin entrenamiento ni nada.
- Poderes mágicos sin entrenamiento ni nada. (Debe ser igual en la novela)
- Errores de continuidad: Los malos aparecen de la nada, viajan kilometros y siempre alcanzan a los buenos siempre.
- Los buenos son niños bonitos, los malos adultos. (¿frustraciones del autor?)
- Antes de la lucha final se ve un hermoso casco para dragones, y nunca se lo ponen la dragón, me parece que prefieron mostrar sus gestos que hacerlo que se vea imponente.
- No hubo presupuesto para mostrar elfos, enanos, gnomos ni más dragones. (Aggh!)

Notas
* Galbatorix, Christopher Paolini autor se inspiro en ¿Galvatron?.
** Las mujeres son inútiles en este universo, adios princesas guerreras.
*** ¿Que pasa todos los buenos son jovenes ?, en este punto sentí un escalofrío total. Me parecía una historia escrita por alguien de la misma edad con el espíritu rebelde hacia los adultos. Sin nombrar otros traumas propios de la edad sobre ser capaces de hacer las cosas.
* Hasta calabozos y dragones es mejor.

Es imposible verla en el cine si es que no te encantan este tipo de historias.

Una sugerencia para la historia:
John Malcovich viaja de Holliwood a la tierra media, descubre que todos son incompetentes. Le pregunta a su hijo por un nombre y el le dice GALVATRON, pero como no le gusta decide autollamarse Galbatorix. Se hace pasar por jinete de dragones y los mata a todos con una espada mata dragones robada. John Malcovich es el rey y un tirano.

Una de los huevos de dragón es detectado, lo tiene una guerrera y tienen que atraparla. Antes de lograrlo el dragón nace y Arya usará sus noveles poderes para luchar. La leyenda de Arya ha nacido! (bueno le cambiamos la chica por un chico que se llame Eragon y no cambiamos el titulo del filme).

Con el dragón hace lo que tiene que hacer, detener el ataque a su pueblo natal, en donde conocerá a Jeremy Irons que despues de sus filmes malísimos se volvió caballero.

Ambos huiran hacia las montañas para encontrar a la resistencia que lucha contra el rey. En el camino encontraran a un arquero hijo de un jinete que es repudiado porque su padre traicionó a los jinetes.

Es acá donde llegan las tropas de John Malcovich y se inicia la lucha. Miles vs unos cuantos y por lo menos 20 conjuros de dragones oscuros en pantalla, explosiones lucha, muerte desesperación.

La dragona es herida y cae al suelo, es el momento decisivo.

Arya o Eragon (segun te guste más) recuerda alguna enseñananza de Jeremy Irons y conjura un hechizo de luz y logra vencer a los dragones oscuros enemigos. La dragona, está a salvo. Los guerreros de la resistencia también ganan la lucha.

Esta noche John Malcovich ha perdido la guerra, pero volverá en la parte II.

Web Site de la película
El mundo de Alagaesia

lunes, diciembre 11, 2006

Un buen año, pero una mala película

Si pueden evitar Un Buen Año (2006), evítenla. Es una película romántica absolutamente plana y llena de estereotipos, increíblemente dirigida por el renombrado Ridley Scott y protagonizada por el buen actor Russell Crowe. En pocas palabras, una estafa.

Crowe es Max Skinner, un frío y calculador agente de bolsa de Londres que de pronto ve interrumpida su vida por la súbita muerte de su tío Henry, quien le ha heredado un viñedo en Francia. Esta propiedad representa para Max, todos los recuerdos de una niñez feliz. Decide ir por un día a arreglar los papeles y dejar la casa lista para la compra, pero por cosas de la vida, termina quedándose más de un día, involucrándose con los sencillos seres de alrededor y enamorándose de la francesa más guapa del pueblo y de la vida simple en la campiña. Colorín colorado. Así de simple señores.

Scott y Crowe ya habían trabajado juntos anteriormente, con mucho mejores resultados: El Gladiador (2000). Tiempos aquellos...

Abracadabra

Hace unas horas vi The Prestige (2006), traducida al castellano como El Gran Truco. La vi por recomendación de varios redactores de EBC, por lo cual me extraña que esta sea la primera reseña de la película en este blog (¡chiquita!).

Me encantó. Las actuaciones estuvieron espectaculares y el tema para mí es apasionante: el detrás del telón de los actos de magia.

Supongo que intentar resumir la historia sin caer en el spoiler es bastante difícil, así que sólo diré que se trata de la batalla de dos jóvenes magos por vengarse del otro, por ser el mejor, por maravillar al mundo con un truco imposible... Estos magos son Robert Angier "El Gran Dalton" (Hugh Jackman) VS Alfred Borden "El Maestro" (Christian Bale).

Dos personajes serán sus cómplices a lo largo de sus carreras: el diseñador/ingeniero de trucos, Cutter (Michael Caine) y la bella asistente Olivia (Scarlett Johansson).

La película describe un mundo de ilusión, secretos, rivalidad y obsesión, donde no se puede confiar realmente en nadie, excepto en uno mismo... Y sólo uno mismo puede sacrificarse por sí mismo... Si no entiende esta última línea tendrá que ir a ver la película y sólo entonces cobrará sentido.

¿Por qué el título original de la película? The Prestige o El Prestigio... Pues la explicación es que todo acto de magia consiste de tres partes: 1. La promesa (se enseña un objeto). 2. El cambio (el objeto desaparece). 3. El prestigio (el objeto reaparece) y sólo entonces el mago recibe el homenaje de los aplausos. Sin el prestigio, el truco no vale nada.

En sí misma la película es como un gran acto de magia, en donde sólo el final nos revelará su propio "prestigio". Gran parte del perpetuo suspenso a lo largo del film corresponde a la labor de edición no lineal en el tiempo.

El director de esta cinta (y también guionista de la misma junto a su hermano Jonathan) es Christopher Nolan, quien anteriormente ya había trabajado con la dupla Christian Bale y Michael Caine, dirigiéndolos en Batman Begins (2005). Sin embargo, El Gran Truco nos hace más bien recordar otra muy buena película de Nolan: Memento (2000) en donde el juego de los tiempos atrás-adelante es también fundamental. Si no la han visto, véanla, es muy buena. Después de todo, el verdadero mago de la historia parece ser Nolan.

PD: Pronto podrá "ver" a Hugh Jackman en otro rol muy diferente: Memphis el pingüino de Happy Feet.

viernes, diciembre 08, 2006

Happy Feet ... en IMAX

Happy es como me describiría a mí misma pues estuve de viaje y fui a caer en una ciudad con ¡dos salas IMAX! IMAX = Image Maximum... Es decir, ver las películas en pantallas GIGANTES de 22m x 16m, con una calidad y un sonido ESPECTACULARES.

Son pocas las películas diseñadas para este formato y son menos las películas comerciales desarrolladas para IMAX (también) (aunque me parece que cada vez son más...) y tuve la suerte de estar en el estreno de la última película animada en versión IMAX: Happy Feet (2006).

Pensé que se trataba de un estreno a nivel mundial, pero uno de los amables caballeros de EBC me informa que en Perú se estrena el 7 de diciembre, me imagino que como jugada comercial navideña. Pero estoy segura de que todos ya han visto algún preview de la película de lindos pingüinos entonando conocidas canciones, ¿verdad? Además las cuestiones de merchandising de Happy Feet están por todos lados.

La historia va así: cada pingüino emperador (los mismos de la película documental La marcha del pingüino, reseñada en EBC) tiene en su interior una canción que definirá su vida romántica y por ende familiar. Fue por sus grandes voces que los padres de Mumble (Nicole Kidman y Hugh Jackman), el protagonista, se conocieron y enamoraron y por ello resulta por demás inexplicable que Mumble (Elijah Wood) no pueda entonar ni una nota. Desde siempre Mumble es el pingüino raro del grupo... En vez de cantar, zapatea (sin zapatos obviamente) lo cual es considerado como una conducta muy antisocial. Es repudiado por su clan y pronto se encuentra acogido por otro grupo más relajado de pingüinos (comandado por Ramón con la voz de Robin Williams). Lo gracioso es que estos son los pingüinos latinos... ¿Cuándo dejarán de vernos de esa manera los gringos?

En fin, les diré que la historia no tiene nada de novedosa. Es un "patito feo" con más ambiciones, pero las canciones son bonitas y está súper buena para llevar a los sobrinos e hijos chicos, quienes de seguro pasarán un buen rato violence-free.

Ahora, ¿tanta película sobre los pingüinos emperador estará teniendo un buen efecto medioambiental? En la misma película se toca el tema del ser humano, ese ser alienígena que puede destruir la naturaleza y también salvarla...

Otro plus de haberla visto estando de viaje es que pude escucharla con las voces originales, ojalá llegue a Perú en versión subtitulada. Vale la pena, pues los actores interpretan todas las canciones... Nicole Kidman ya nos había demostrado sus dotes de cantante anteriormente en Moulin Rouge.

De todas las películas animadas del 2006, definitivamente me quedo con Cars. ¡Si no la vieron, alquílenla!!!

domingo, noviembre 26, 2006

Volver a Penélope

Es inútil tratar de comentar esta película obviando su contemplación. Pues la película no solo es un trabajo de notable factura del director español, también es una constatación del encumbramiento de Penélope Cruz como contraparte ibérica de Sofía Loren en "Una Giornata Particulare” y su coronación como suma sacerdotisa del universo de chicas Almodóvar.






Pero dejemos por un momento la idolatría por Penélope y desgajemos un poco al reciente fruto de la febril imaginación de Almodóvar. Volver nos cuenta magistralmente una historia que en otras manos podría ser sustancia de un vulgar folletín o de un infumable culebrón. Raimunda (Penélope Cruz en una actuación soberbia) es una madre soltera que comparte su vida con un sujeto de ralos ingresos y peor educación. No es feliz con su existencia y sin embargo tiene un impulso vital que la anima a continuar braceando en un mar grisáceo de permanentes vicisitudes y escasísimas alegrías. Su hermana Sole (Lola Dueñas en performance muy similar a la de Verónica Forqué en "Kika") vive en las nubes luego de haber sido abandonada por su marido y regenta una peluquería clandestina en su piso madrileño. Paula (Yohana Cobo, reciente fichaje del director) es la hija adolescente de Raimunda quien completa el trío inicial que comparte una cotidianeidad abundante en frustraciones, estrecheces y recuerdos difusos que duelen en vez de reconfortar. Un par de visitas al pueblo en donde se criaron activan no solamente los recuerdos más vívidos de su pasado -que más que añoranzas son recuerdos que angustian- sino que establece además inquietantes vínculos entre instancias tan disímiles como cercanas en la película. Pasado y presente, vida y muerte, imaginación y realidad, humor, amor y dolor se entrelazan armoniosamente y van construyendo una expresión coral femenina tierna e irreductible. Los hombres no existen en esta película, son meras comparsas en determinadas situaciones. Baste decir que el rol masculino más preponderante es…un cadáver, el cual debido a su condición la pasa convenientemente oculto durante toda su participación.



El eje sobre el que gira la historia es la presencia magnífica del personaje de Raimunda. El contrapunto que se origina entre ella y su madre Irene (notable Carmen Maura) representa el clímax esperado que supone no solo el punto de quiebre en la película sino también la punta que empieza a desmadejar el ovillo y a develar un secreto de familia celosamente guardado durante muchos años. Y este diálogo esclarecedor que tarda mucho en pasar de un tono ríspido a uno más íntimo y abierto no solo cierra una herida abierta en los corazones de Raimunda y de su madre; es un intercambio que reúne afectos y genera el retorno de una confianza que parecía irremediablemente perdida. Y eslabona gracias al talento del director todos los ámbitos aparentemente disímiles entre los que transitaban disfuncionalmente los personajes durante el discurrir de la historia.



El mérito de Almodóvar radica no solamente en el manejo y reconstrucción de la historia y sus circunstancias a partir de la insólita interacción entre sus personajes. La estética algo chirriante a las que nos tenía acostumbrados ha sido reemplazada por planos sugerentes que compartimentan los ámbitos y situaciones que la componen. Así, el pueblo manchego de puertas cerradas que alberga la historia inicial de la familia es un rehén en tres tiempos del viento que invade todos los espacios disponibles y habitables. Si en “Seven” de David Fincher la lluvia es el personaje que nos acompaña durante toda la cacería de un psicópata en esta película el viento es el que se encarga de delinear las marchas y contramarchas en la vida de este rincón olvidado. Notable es también la escena del plano aéreo del cortejo funerario. Una paleta de luz, blanco, negro, vida y muerte que pone en evidencia la maestría del realizador para transmitirnos sin mediar palabra alguna la esencia de un momento en particular.

Y aunque la madurez y la maestría se encuentren perfectamente decantadas en esta historia no podemos dejar de encontrar sellos inconfundibles de la factura del manchego. El momento musical que encierra una doble connotación en un mensaje de vieja data, el lenguaje directo y sin ambages de sus principales protagonistas, seres que demuestran sus emociones sin elusiones discursivas y con una expresividad emocional que no necesita de palabras para poder ser entendida. Y por sobre todas las cosas, el perfecto retrato del imaginario emocional femenino que solo Almodóvar es capaz de retratar mezclando en dosis adecuadas humor, amor, dolor, verdad y ternura.

De visión obligatoria, Volver es una agradable constatación de la madurez de un cineasta que demuestra su capacidad de permanente reinvención sin perder las características que han hecho de su cine y de su particular sensibilidad para recrear el universo femenino una marca mayor. Y es también un retorno de Penélope Cruz al cine de autor, a sus raíces hispanas y al espacio de donde nunca debe volver a salir.

Salvo que sea para venir a buscarme.

viernes, noviembre 24, 2006

Tiempos de Cine 2006 en Trujillo


Por quinto año consecutivo, la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Privada Antenor Orrego de Trujillo viene organizando desde el 23 hasta el 25 de noviembre el Encuentro de Cine Peruano "Tiempos de Cine 2006".

Humberto Saco, Rosa María Oliart y Nathalie Hendricks son quienes hasta ahora han abierto el ciclo de conferencias. Luego se sumarán Roberto Benavides, Eduardo Mendoza y Jorge Vignati.

Algunos temas:
  • Cine documental
  • Estretagias de producción y financiamiento
  • Sonorización
  • Edición
  • Dirección
  • Proyección de cortos nacionales
Si no pudiste venir y no quieres perderte ningún detalle, te comento que por segundo año consecutivo, BLOGSPERÚ le da cobertura al evento - además de figurar como auspiciador - creando un blog y haciendo la cobertura al momento con videos, entrevistas, fotos y demás. El blog es Tiempos de Cine 2006.

Aquí una perlita.

Su blogger servidor junto a Humberto Saco, Rosa María Oliart y Nathalie Hendricks

lunes, noviembre 20, 2006

Hedwig and The Angry Inch

¡Diantres! Si Michael Morrinson lo hizo, ¿por qué yo no?

¿No tienen acaso arrinconada en una esquina de vuestra psique alguna lista con las películas que se han negado a ver porque... porque... pues bueno, porque no les dió la gana ver precisamente esas películas que todo el mundo decía que tenían que ver? ¿Y no se sienten, de alguna forma misteriosa, orgullosos de que así sea pues es vuestra prueba de no "estar siguiendo la corriente"? Michael Morrison tenía la suya. Incluía seis películas muy famosas. Y de un solo tirón la tiró al tacho. Aquellas seis películas eran los capítulos I al VI de la saga de "La Guerra de las Galaxias" que Morrison se chupó de un cocacho en una "Maratón Star Wars" de Cinemax.

Así que el pasado viernes me dije a mí mismo: si Michael Morrinson lo hizo, ¿por qué yo no? Y me senté a ver "Hedwig and The Angry Inch", un famosísimo musical de culto basado en la obra teatral off-Broadway del mismo nombre, que había evitado ver por años.

¿Por qué no la quise ver antes? Pues por culpa de Nicole Kidman. Después de aquel maravilloso musical de Baz Luhrmann que con canciones de Nirvana, David Bowie, The Police, Queen y otros, le dió luz y color al romance de un poeta con una bailarina de cabaret, ¿cómo sentarme a ver cómodamente la historia de un transexual narrada con canciones punk de autoría desconocida?, ¿una película de culto entre los amantes de The Rocky Horror Picture Show, otra película que me he negado a ver hasta el día de hoy?, ¿un musical con nombre de película porno, estrenado el mismo año que Moulin Rouge? No. No podía hacerle eso a la bella -y recientemente divorciada- Nicole. Hacerlo sería como traicionarla. Y, quien sabe, quizá perder mi oportunidad de reemplazar a Tom Cruise...

Pero los años pasan -y pesan- y, habiéndose casado Nicole con un cantante de música country a mediados de año (¡Un cantante de música country! ¡Por qué, Nicole!), no me quedó más que despertar de mi sueño y comenzar a romper, poco a poco, aquellas promesas que le hice secretamente.

Como aquella de no ver (ni disfrutar) "Hedwig and The Angry Inch"...

Así que gracias a Michael Morrison y a Keith Urban (el nuevo Sr. Kidman), armado de valor, de una bandeja de pop-corn hecho en casa, y de una botella de Fanta Plátano (sí, aquí tenemos Fanta Plátano), me senté en casa frente al televisor a tachar una de las películas de mi lista.

Y, ¿saben qué? Me alegro haberlo hecho...

La película narra la historia de Hedwig, vocalista transexual de la banda punk "The Angry Inch", mientras se encuentra en el proceso de búsqueda de su otra mitad, y muestra como, en el camino, y sin proponérselo, se encuentra a sí mismo. A diferencia de musicales como "Grease" o "La Novicia Rebelde" en que los personajes no hablan sino cantan (y con ello te enteras que estás dentro de una fantasía), en esta película los personajes conversan hablando (como lo haríamos tú y yo, como lo estamos haciendo ahora) y la música es dejada para las presentaciones en vivo de la banda, dándole una sensación mucho más real a la historia (esta historia me la creo). ¿Por qué es un musical entonces? Pues porque estas presentaciones ocupan más del 60% de la película y porque te enteras, gracias a ellas, la historia de Hedwig (y el porqué del nombre de su banda), sus recuerdos, sus fantasías, sus sueños, sus temores, sus penas y sus amores. Una historia que, si bien es interesante ella misma (a pesar de pecar muchas veces de pretenciosa), resulta tremendamente potenciada gracias a la música...

Es que la música, ¡ah, la música!, en esta película es realmente extraordinaria. Mucho, muchísimo más de lo que esperaba. Si mientras veía Moulin Rouge tarareaba las canciones que escuchaba, luego de ver Hedwig me quedé tarareando sus melodías ¡una vez terminada la película! (y por muchos días más). Así de intensas son. Así que lo primero que hice al terminar la película fue buscar en internet el nombre del cantante para comprar el soundtrack... Y, ¿saben qué? Pues me enteré de aquello que los fanáticos sabían desde el comienzo: John Mitchell, el actor que interpretó a Hedwig, CANTÓ todas las canciones. Y no, no hacía lip-synching sobre música pre-grabada: efectivamente cantaba cada canción mientras la escena era filmada. Como dirían mis amigos colombianos, ¡tenaz! ¿Quién más hace esto? Ni siquiera cantantes profesionales lo hacen durante la filmación de sus videos (y ni que decir de los cantantes enlatados de Televisa, que ni siquiera cantan durante sus conciertos). Con esto, sin lugar a dudas, Mitchell se ganó muchos puntos en mi ranking.

¿La actuación? Bastante buena, por cierto, pero me dejó con ganas de ver la obra en el teatro. Esta historia, efectivamente, nació sobre las tablas y, aunque fue llevada con honores a la pantalla grande, exhuda por cada poro su origen teatral. La escena del "car-wash", por ejemplo, me hubiese sorprendido muchísmo más de haberme ocurrido a mí o a una persona sentada a pocos asientos del mío (Y que me perdonen quienes no han visto la película por no explicar la referencia, pero prefiero dejarlo así para que la disfruten al verla). En algunas escenas Hedwig se dirige a los actores que hacen de público y te deja con la sensación de que estos diálogos serían sabrosísimos en vivo y en directo. Y la canción de cierre... ¡la canción de cierre! Pues ella te dejaba tal sensación de que se estaba terminando la función, que casi me voy de la casa cuando terminó la película...

Pero nada, no se dejen engañar por este último párrafo: sólo véanla. Y si consiguen una entrada para verla en el teatro, véanla de nuevo. Pero no se la pierdan. No hagan como yo y no dejen que esta pequeña joya del cine y teatro independiente norteamericano escape de sus manos.

No se arrepentirán de haber conocido a Hedwig. Créanme. ¿Acaso no les cae bien desde el saludo una persona que es expulsada de la universidad por proponer de tema de tesis un estudio de la influencia de la filosofía alemana en el rock n' roll titulado "You, Kant, Always Get What You Want"? ¡Hedwig, dónde estás para darte un abrazo!

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Y ahora veamos si alguien se anota para acompañarme a tachar una segunda película de mi lista: The Rocky Horror Picture Show. Ya perdí mi virginidad con Hedwig, ahora quiero hacerlo con Rocky (whatever that means!)

jueves, noviembre 09, 2006

Mariposa Negra


Francisco Lombardi nos sumerge en esta historia, basada en la novela "Grandes Miradas" de Alonso Cueto que nos envuelve en la búsqueda de la verdad sobre el asesinato del juez Guido Pasos a manos de la mafia. Las líneas a continuación tienen información que podría considerarse spoiler. No digan que no les dije. En caso contrario acompañenme a traves de Mariposa Negra narrada en tercera persona a través de Angela, testigo inmutable de las aventuras y desventuras de una profesora que se entregará en cuerpo y alma por limpiar el nombre de su fallecido novio.

La profesora de primaria Gabriela y un grupo de estudiantes parte de noche hacia Nazca para una excursión (*), en la mañana del día siguiente y mientras aun pensaba en sus planes de matrimonio y lo bonito que se verán las 1000 mariposas recibe una horrible noticia : su novio Guido Pasos juez ha sido hallado muerto.

En un acto de arrebato abandona el barco.. digo el carro y regresa a la capital tomando el primer bus que se le cruza en su camino (**). Unas horas más tarde y en Lima Gabriela ingresa a la morgue para el penoso procedimiento del reconocimiento del cadaver (***).

Las cronicas amarillistas comienzan a contar otra historia: Juez marica muere en orgía. Comienza una incesante búsqueda por la verdad

Gabriela enfrenta al director de un diario amarillista "El Papi" y eso dará pie a que conozca a la primera clave del rompecabezas: Angela, reportera que se convertirá en testigo inmutable de su búsqueda. Que sin proponerselo será de gran ayuda al lograr tener acceso a un soplón con un video.

Video de la muerte
En el video Guido Pasos es torturado y asesinado por un matón del gobierno. Gabriela sigue su transformación y decidida va en su búsqueda dispuesta a seducirlo porque debe ver lo ultimo que vio su novio.

Y lo logra encontrar y lo logra deducir y la oscura situación termina en un asesino asesinado y una mujer determinada a seguir adelante. Pero lo que sigue es aun peor, el asesino es Montesinos y debe acercarse a él, y no dudará en seducir a la proveedora de chicas (Yvonne Frayssinet).

Detalles:
* Considero una metida de pata contar 8 horas de viaje desde Lima hacia Nazca en un bus escolar, y la verdad me distrajo bastante la idea de llevar niños en un viaje tan largo, desnaturalizada la profesora Gabriela.
** Y cuando me habia olvidado del tema del viajecito de noche, Gabriela toma un bus de retorno y llena en menos de lo que canta un gallo.
*** Debe tratarse de una dramatización para el apoyo de la transformación de Gabriela, porque en otros casos el padre que estuvo primero en la escena del crimen y en la morgue ya habia reconocido el cadaver. Ademas no se permite el ingreso a esa area, y el reconomiento se hace mediante fotografía.

No me gustó la pelicula, o más bien no me gusto como el personaje se come a Melania Urbina y es que puede encarnar a un mujer fatal pero no a un personaje con matices y más complejos.

Yvonne Frayssinet (Dotty) haciendo de poderosa-glamorosa-lesbiana-parte de la mafia es mas convincente, aunque a veces le sale lo mamá buena pero estoy seguro que el guion asi lo contaba, porque ni los malos son malos, y es que cuando te imaginas a un corrupto dueño de un periódico amarillo (Gustavo Bueno), no te lo puedes imaginar siendo también apapachador con su agarre de turno.

Pero no me puedo olvidar de Angela (Magdyel Ugaz), que como facha se convertirá en la que narre la historia, fria, inexpresiva hundiendo más la historia que puntos buenos ha tenido pero que ni la edición han podido salvar.

Lombardi debió ser mas arriesgado y pensar en que "Hay que ser bien pendejo para estar en este negocio" y los personajes debian transmitir eso, sin escrupulos, crueles y viles como las novelas más oscuras de detectives que el cine peruano pueda narrar, sino serán solo una sombra de los personajes reales que inspiraron el drama.

Datos:
Melania Urbina le ha valido el premio Mejor actriz en el Festival Cinematográfico de Montreal
Trailer en YouTube

jueves, noviembre 02, 2006

Akira: Un clásico del anime japonés

Antes de comenzar a contarles sobre Akira, debo confesar que soy poco versada en animes japoneses y si terminé viendo esta película es porque me informaron que era un MUST de la cinematografía japonesa. Habiéndola visto, pienso que tienen razón. Akira, una película animada de 1988, parece bastante adelantada a su época. Si me hubieran dicho que la produjeron este año, yo me la hubiera creido.

La historia comienza con un prólogo que anuncia el final de Tokio bajo la 3era Guerra Mundial en 1988 (mismo año de producción de la película). De esta manera, la película empieza tres décadas más tarde en la ciudad de Neo Tokio, una urbe violenta, controlada por los militares, en donde subsisten separados dos subgrupos rebeldes y alborotadores: las pandillas de jóvenes motociclistas y los seguidores de Akira.

¿Qué es Akira? En la película se explica que es una especie de energía, de poder y se sobreentiende que probablemente fue lo que acabó con Kioto. Los restos de Akira son guardados celosamente por los científicos militares, quienes en el presente continúan haciendo pruebas con otros seres humanos que tienen poderes psíquicos. Las representaciones de estos seres son realmente perturbadoras, al menos para mí: niños azules avejentados. Creepy.

La pandilla de motociclistas de Kaneda (el personaje que aparece en el afiche) entra en el juego cuando uno de sus compañeros, Tetsuo, es secuestrado por los militares... No cuento más de la historia para no caer en el spoiler y porque creo sinceramente, que ésta, es una película que los cinéfilos deben ver cuando tengan la oportunidad.

Se dice de Akira, que es la inspiración de los hermanos Wachowski para The Matrix. No es difícil vislumbrar como esta pesadilla animada llamada Akira sirvió de influencia para esa y otras películas de corte futurista, en donde los seres humanos están sometidos a fuerzas que no puede controlar.

Me gustó mucho el nivel de detalle de las animaciones y los efectos de tercera dimensión, dignos del siglo XXI. Las escenas de explosiones son visualmente impresionantes.

Akira, como muchos animes, está basado en la novela gráfica (manga) de 2,000 páginas de Katsuhiro Otomo, el mismo director del film.

Ojo: Ya lo dije antes y lo repito ahora, animación no significa por defecto que esté dirigido a un público infantil. Akira es una película bastante fuerte y violenta, no apta para niños.

martes, octubre 31, 2006

Gol : La Historia de Santiago


En su momento no pude reseñarla, pero mas vale tarde que nunca.

A pesar del nombre no es una película de 100% futbol, es más bien la historia de un joven que lucha por cumplir sus sueños hasta ser estrella del futbol.

El inicio:
Una familia mexicana llega a estados unidos de ilegales con una esperanza: "lograr el sueño americano".

Los Personajes:
Santiago Muniz el hijo mayor trabaja a tiempo parcial "cachueleando" y sus ratos libres los dedica al futbol.

Es fichado por un head hunter y viajare a Inglaterra para probar

Adjunto entrevista a Kuno Becker (Santiago)

En cuanto a tu personaje, ¿te costó trabajo realizarlo?
Sí bastante, nunca me había llamado la atención el fútbol, si jugaba de niño, en las “cascaritas”, pero jamás soñé en ser un futbolista de grande, por eso considero que me fue más difícil realizar este personaje, tanto en la forma física, sobretodo por los entrenamientos, ya que me llegue a romper los talones, además de recibir uno que otro golpe, y eso me hizo valorar el trabajo que tiene un futbolista, ¿no?, desde el hecho del tiempo que se toman para entrenar, es pesado”, comentó el actor.

¿Te llegaste a identificar con tu personaje?
Sí, aunque sea diferente a mí, dentro de una película la mayoría de las veces se espera acción, como eso de realizar una prueba, llegar a unas reservas ecológicas, como parte de ella, es muy divertido, pero creo que el empezar a hacer esta trilogía fue una experiencia muy padre, porque en la primera se cuenta los golpes por los que tiene que pasar ‘Santiago’ para ser descubierto, en la segunda parte se contará lo que pasa por la mente de ya un futbolista y en la tercera parte se narrara los sueños del personaje, cumplidos”, contestó.

¿Cómo fue que te escogieron para este papel?
No lo se, la verdad es que estaban medio inseguros, por una parte seguros de mi forma de actuar y por la otra inseguros por lo del jugador, yo les decía ‘no pues tal vez lo que necesitan es a un jugador, para que sepa lo que hace’, pero también el director me dejo hacer algunas propuestas en el personaje y en la historia, como en algunos detalles de la película, pues también se toca la pérdida de identidad dentro de la historia, y esto se logra a través de la abuela del niño”, afirmó Kuno.

Ahora que te encuentras en tocando puertas en el cine norteamericano, ¿has sufrido de alguna discriminación, por ser mexicano?
No se, no he tenido experiencias graves en ese sentido, pero sí he llegado a conocer casos de otras personas que lo han sufrido, sobretodo en ciudades como Los Ángeles, porque la mayoría de la gente que se encuentra habitando en este lugar es de todo tipo, latinos, africanos, etc., y se acostumbra a ver todo tipo de gente, es algo que queremos tocar en la trilogía, pero que no queremos profundizar solamente en ello, a pesar de lo que se está viviendo en la actualidad en todo el mundo”, acotó.

Gol en Imdb

viernes, octubre 27, 2006

Poesía hecha cine

Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom o Primavera, verano, otoño, invierno... Y primavera (2003) es una de las dos películas coreanas que están en nuestra cartelera actual (la otra es OldBoy, la cual me niego a ver para no tener pesadillas).

Esta película del director-actor-guionista Kim Ki-Duk es bastante distinta a las películas a las que estamos acostumbrados, en verdad es como leer una poesía, pausada, narrada con hermosas imágenes que representan el ciclo de vida del hombre, que al igual que las estaciones, se repite una y otra vez. De hecho, toda la película está cargada de simbología, con muchos referentes del budismo y probablemente a mí, con mi educación occidental, se me pasaron muchos de estos y más. Aún así, la disfruté.

A estar atentos con las producciones de Kim Ki-Duk pues este prolífico cineasta parece que es la sensación del cine coreano. Yo espero que lleguen más de sus películas a nuestro circuito. Es bueno tener variedad.

jueves, octubre 19, 2006

Copiando a Shrek

Open Season, reseñada en el post anterior por Leuzor, tendría un mejor nombre si se llamara: Open Copy o Copy Season. Fui a ver esta película con otra redactora de EBC y ella no me permitirá mentir: los personajes principales, el oso Boog y el venado Elliot, eran copia fiel de los protagonistas de Shrek, el ogro y el burro...

Shrek y Burro no pueden creer como los han copiado con tanto descaro

Shrek y Boog son ambos personajes de grandes dimensiones, quienes no se llevan bien con otros animales y les va bien así, hasta que conocen a Burro y Elliot respectivamente, un par de animales "perdedores" a quienes comenten el "error" de dar la mano y estos se toman hasta el codo, pegándoseles como una lapa por el resto de la aventura. Burro y Elliot utilizan además las mismas tácticas para ganarse el corazón de sus grandes amigos: contar chistes por doquier, cantar canciones molestas y mantenerse fieles a pesar de cualquier eventual rechazo.

La copia es mucho más evidente en el caso del personaje del venado, que ni siquiera parece un venado, sino más bien un burro. Cosa que es anotada dentro de la misma película...

No, no estás viendo doble.

Tal es el grado de confusión generado por este personaje que al entrar a la página de Yahoo! Cine para obtener las fotos de este post, leí rapidamente la sinopsis y decía:
"Un oso y una mula, ambos animales domesticados, se encuentran varados juntos en medio de un bosque durante la época de cazadores. Persigue la aventura de and y end, que deberán unir a los otros animales del bosque para poder luchar en contra de los cazadores..."

¿Una mula domesticada? No. Elliot era un venado echado de su manada por ridículo y por querer intentar enamorar a la "chica" del venado líder. Elliot llega al mundo del hombre cuando es atropellado por un malvado cazador. Por "and y end" no tengo idea que quisieron decir los descuidados chicos de Yahoo! Yo sólo lo copié y pegué.

A diferencia de Leuzor no encontré la película tan mala, incluso me reí en varias partes, pero porque también me reí en los mismos chistes de las películas originales... Es cierto que Shrek en el 2001 puso una valla difícil de superar para las siguientes animaciones y también es verdad que debe ser un modelo a seguir, pero una cosa es inspirarse y otra muy distinta plagiar a destajo.

Realmente una decepción la inauguración de esta nueva división de Sony-Columbia para filmes animados: Sony Pictures Animation. ¡Vamos gente! Otras películas animadas han sobrevivido, y según algunos, sobrepasado a Shrek con mucho éxito, tal es el caso de Los Increíbles o Buscando a Nemo.

Open Season - Amigos Salvajes


Si viste el trailer y piensas que sabes acerca de la trama, lamento decirte que estas equivocado. Open Season no trata de la fuga de un oso de su cautiverio sino del regreso a la naturaleza. Pero el dilema principal no es ese, sino que es terriblemente light en cuanto a dialogos y charlas, con el perdon de los niños pero esta si es una pelicula para ellos.

Indudablemente Shrek hace un par de años era increiblemente mejor.

Open Season es:
la historia de un oso que vive en cautiverio, conocera a un venado que ha sido echado de su granja y que por una confusión sera regresado al bosque.

¿Un oso que ha vivido entre humanos podrá retornar a su habitad natural?

sábado, octubre 14, 2006

La Marcha de los pingüinos


Siempre he creido que el mayor mérito de las películas que más me gustan está no tanto en la historia en si, sino en la manera original como el director la presenta, como el artista motiva en el espectador una serie de emociones a lo largo del film. Por eso considero que La Marcha de los Pingüinos es una gran obra, esencial en esta temporada.

Luc Jacquet ha logrado humanizar el trajinar de los pingüinos emperador a lo largo de toda una temprada en la que realizan prolongadas marchas en el hielo antártico con el maravilloso objetivo de prolongar la especie. No se trata de una narración científica al estilo de National Geographic, el director ha logrado imágenes espectaculares que nos trasladan a una historia íntima y poética, sobre todo a la hora de describir el apareamiento. Gran mérito de los Directores de Fotografía Laurent Chalet y Jeróme Maison el captar ángulos bastante expresivos y mis respetos por aquella cámara submarina que logra internarse en la huida desesperada de un grupo de hembras ante el ataque de un lobo marino.
Es imposible dejar de transitar por la compasión, la ternura y la admiración cuando se conoce a través de este documental los sacrificios de esta especie por reproducirse. La cámara se mueve con acierto a un ritmo prudente y nos muestra todo el proceso hasta el surgimiento de una nueva generación de estas pequeñas aves de la zona más helada de la tierra. La versión en inglés tiene un beneficio adicional: la narración en off de Morgan Freeman, que le da un tono especial a la película, aunque la versión en español tampoco está mal.
Resulta increíble como en un escenario frío y carente de colorido puede retratarse una historia tan cálida, pero esto es también mérito de la admirable paciencia de los realizadores que dio como fruto un trabajo encomiable. Cuando se estrenó el año pasado en los Estados Unidos La Marcha de los Pingüinos llegó a superar en taquilla a La Guerra de los Mundos y los Cuatro Fantásticos. Su suceso se coronó con el Oscar 2006 a la mejor película documental. Esta vez el gusto gringo, siempre orientado hacia lo comercial, no se equivocó con esta obra de arte, altamente recomendable.

martes, octubre 03, 2006

Equilibrium

Introducción necesaria

Yo pensé que luego de ver Matrix y sus consecuentes fiascos (Reloaded y Revolutions), las pataditas y las caidas en "slow motion" no podrían ser superadas. Pues me equivoqué.
Ayer, luego de un día arduo de trabajo, me dispusé a descansar un poco - mientras mi esposa le daba duro a las teclas de la notebook - mirando un poco de tele. Puse un canal local y luego de dos minutos me quedé enganchado con la película, sobre todo porque el papel principal lo tenía uno de mis actores favoritos (desde "El Imperio del Sol").
Ya tengo el dato de qué película fue la que vi ayer, así que aquí se las publico.

Sinopsis

En el mundo del futuro, un régimen estricto ha eliminado las guerras al haber superado las emociones. Los libros, el arte y la música están totalmente prohibidos, y los sentimientos se consideran un crimen castigado con la pena de muerte. El clérigo John Preston (Christian Bale) es un agente de élite del gobierno, responsable de combatir aquellos que osen desafiar las reglas. Cuando pierde una dosis de "Prozium", una droga que altera la mente para ocultar sus emociones, toda su escala de valores cambiará de manera súbita.

Ficha técnica
Dirección y guión: Kurt Wimmer.
País: USA.
Año: 2002.
Duración: 107 min.
Interpretación: Christian Bale (John Preston), Emily Watson (Mary O'Brien), Taye Diggs (Brandt), Dominic Purcell (Seamus), Sean Bean (Partridge), Christian Kahrmann (Oficial), John Keogh (Químico), Sean Pertwee (Padre), William Fichtner (Jurgen), Angus MacFadyen (Dupont).
Producción: Jan de Bont y Lucas Foster.
Música: Klaus Badelt.
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: Tom Rolf y William Yeh.
Diseño de producción: Wolf Kroeger.
Dirección artística: Erik Olson y Justin Warburton-Brown.
Vestuario: Joseph A. Porro.
Estreno en USA: 6 Diciembre 2002.

Es evidente que esta película tomó prestado ciertos elementos visuales y temáticos, inclusive la combinación de armas y artes marciales, de lo que hicieron los hermanos Wachowski con la trilogia de Matrix. Pero no puedo negar que el uso de esos recursos, y otros creados por propia iniciativa, dan como resultado una historia original, sobre todo por el enfoque temático que se le da: No conviene a los gobiernos totalitarios que los ciudadanos sientan o piensen mucho.

Trailer

Algunas escenas de acción

lunes, octubre 02, 2006

Miami Vice con M de MALAZA

Hace tiempo no veía una película TAN MALA y me siento en la obligación moral de decirles: no vean Miami Vice (2006).

A pesar de los buenísimos créditos:
-Escrita y dirigida por Michael Mann, director de las muy recomendables Colateral (2004) y El Informante (1999). Michael Mann fue el productor de la serie televisiva con el mismo nombre en los 80's. Según el resultado, creo que su "homenaje" no lo hizo con demasiado cariño.
-Protagoniza como el detective Ricco, Jamie Foxx, quien hace poco interpretó genialmente al músico invidente Ray Charles en Ray (2004), valiéndole muy justamente el Oscar y el BAFTA (el premio de la academia británica) por mejor interpretación masculina en el 2005.
-Colin Farrell (El Nuevo Mundo), secunda a Foxx, interpretando a su pareja de trabajo, el detective Sonny. Si bien Farrell no es ningún actorazo, tiene cierto peso en la industria hollywoodense.

¡Una estafa señores! De principio a fin la película no tiene sentido alguno. Los diálogos son sosos, técnicos e incoherentes. La acción no tiene nada del otro jueves. Las actuaciones son completamente irrelevantes y estereotipadas. Las situaciones están llenas de lugares comunes. Al parecer Mann cree que la escena non-plus-ultra del erotismo debe ser un "agarre en la ducha" pues la repite con ambos protagonistas innecesariamente. ¿Quiso aprovechar el set de la ducha? ¡Quién sabe!

Los que estén buscando a la "rubia bonita de Miami" aunque sea para alegrarse el ojo, perdieron. Aquí la mala sexy es Li Gong, que qué se creen, tiene su blog... ¡A ver si lo entienden! Ella tampoco es moco de pavo... Algunos tal vez la recuerden como la malvada Hatsumono en Memorias de una Geisha.

No entiendo... ¿qué hacían todos estos buenos intérpretes en una producción tan mediocre? Estoy pensando comprarme el guión para usarlo de soporífero en mis noches de insomnio.

De lo poco que recuerdo de la serie televisiva, no quedó nada. No recuerdo que fuera mi serie de TV favorita, pero sí que era entretenida, cosa que esta película definitivamente no es.

Si se les ocurre que de todas maneras quieren ir a comprobar lo que les digo, aunque sea por burlarse de la moda ochentera estrafalaria, característica de la serie de TV original, pues tampoco encontrarán eso. Aquí Ricco y Sonny se visten como cualquier hijo de vecino.

Se nota que es una película donde se han invertido millones (sobretodo en locaciones) para obtener un resultado paupérrimo. ¡Una total decepción!

Shall We Dansu?

Póster de Shall We Dansu?A pesar de estar viviendo en el Japón por más de dos años no pude dejar de sorprenderme cuando, al contarle a unas amigas japonesas que era probable que fuese a una discoteca con otros amigos latinos, me pidiesen, implorasen, suplicasen: "¡Giancarlo-san! ¡Por favor! ¡Llévanos! ¡Nunca hemos ido a una discoteca...!"

Flashback a 1998. Una noche aburrida de viernes, paseando por los pasillos del Blockbuster de Caminos del Inca, husmeando entre los estantes de películas no-de-estreno para aprovechar una oferta de fin de semana. Y allí las vi, unas gloriosas piernas que emergían de una falda roja, cruzadas sobre el pantalón de terno de un oficinista. "Shall We Dansu?" - rezaba la tapa del cassette de VHS - "¿Bailamos?".

No pude evitarlo. Tomé la cinta entre mis manos y la llevé (junto con otras olvidables películas) a la caja. Tenía que saber quién era la dueña de esas piernas.

Tamiyo Kusakari, se llamaba. Una bailarina profesional que, como protagonista de una extraordinaria película, me hizo olvidar por completo el por qué la había alquilado.

Esta película, uno de mis primeros acercamientos a la cultura japonesa, dejó tal marca en mí que no pude sino terminar tomando un avión para aterrizar en estas islas. ¿Sería verdad que los japoneses no bailan? ¿Sería verdad que viven para el trabajo? ¿Serían realmente las esposas japonesas tan discretas?

¿Bailamos? (1996) narra la historia de Shohei Sugiyama (Koji Yakusho - Memorias de una Geisha, University of Laughs, Tampopo), un exitoso vendedor de una típica compañía japonesa que vive para el trabajo y que siente un tremendo vacío en sus existencia, un vacío que no sabe cómo llenar. Una noche, desde el tren que lo lleva todas las noches a su casa, observa embelesado a una chica (Kusakari) que asoma la cabeza por la ventana de una escuela de baile, y decide tomar clases allí, a escondidas de su familia. Su esposa sospecha de él y decide contratar a un detective privado que, siguiendo a Sugiyama de arriba a abajo, se convierte en un fanático del baile de salón...

Déjense atrapar por esta historia así como lo hice yo en aquella aburrida noche del siglo pasado. Atrévanse a pasar por el Blockbuster más cercano a sus casas a alquilar vuestra primera película japonesa que no sea un anime. Disfruten esta encantadora historia que se aleja tanto del humor simple y absurdo de estos días. Y prepárense, que pueden darles ganas de conocer esta tierra de tantos contrastes, de personas tan distintas, de cultura tan extraña.

Yo, mientras tanto, me prepararé en mi propia academia de baile (el espejo de mi casa) para no defraudar a ninguna de mis amigas. Shall We Dansu? - les preguntaré al sacarlas a bailar - ¿bailamos?

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Bonus Track: Deléitense con el video de la canción principal de la película. Incluye escenas de la misma.

Trivia: "Dansu" es la lectura japonesa de "dance" y, en la película original, estaba incluída en el título con caracteres katakana, uno de los alfabetos japoneses. Por ello el título original es "Shall We Dansu?". La versión americana se llamó, evidentemente, "Shall We Dance?"

Remake: Nunca vi - y de momento me niego a ver - el remake con Richard Gere y Jennifer López. ¿Alguno de ustedes vio ambas versiones?

viernes, septiembre 29, 2006

El diablo se viste a la moda

Otra vez, la muy bonita actriz Anne Hathaway (Diario de una Princesa / Brokeback Mountain) se mide con una artista de peso como la genial Meryl Streep, quien esta vez interpreta al diablo, una despiada y fría editora de la más costosa e influyente revista de modas de Nueva York.

The Devil Wears Prada (2006), traducida como El diablo se viste a la moda, es la historia de Andy (Anne Hathaway), una joven periodista egresada de la universidad, quien busca abrirse camino en algún medio escrito de la gran ciudad, junto a su novio (Adrian Grenier), un aspirante a cheff.

Aquí hay que hacer un punto aparte para decir que el chico Grenier no le llegaba ni a los talones a su pareja de pantalla. Tengo la impresión de que los señores del casting se concentraron demasiado en las intérpretes femeninas.

En fin. Andy tras mandar muchos curriculums, es llamada por una casa editorial, que entre otras cosas maneja la susodicha revista, comandada por la cruel y atemorizante reina invernal, Miranda (Meryl Streep), nombre que es sinónimo de todo lo que los grandes íconos de la moda representan. Una palabra suya, un gesto, puede significar la subida o la caída en picada de diseñadores, modelos, fotógrafos y cualquiera inmerso en el despiadado mundo de la moda.

Recursos Humanos manda "equivocadamente" a Andy para el puesto de segunda asistente personal de Miranda: literalmente ser su esclava 24/7, no hacer preguntas y lucir siempre fashion. Obviamente Andy no es una chica de portada (vale que se esforzaran en desgreñarla un poco, sin embargo, en mi opinión, seguía viéndose muy linda) y no está para nada interesada en las frivolidades de un trabajo así, pero necesita trabajar para pagar la renta y piensa que esta revista en un buen medio para empezar a contactarse con el mundo mediático de la ciudad.

"Cualquier chica mataría por este trabajo, si pasas un año aquí, podrás trabajar en el medio que quieras", le advierte la primera asistente de Miranda, Emily (Emily Blunt), otra de sus esclavas, cuyo único sueño es ir a Paris para la semana de la moda y obtener el máximo de vestidos de diseñador.

Poco a poco y para sobrevivir, la dulce e inocente Andy se va transformando en una workhólica aparentemente tan fría como el resto, sin tiempo para su novio, sus amigos, ni para escribir... No cuento más porque vale la pena verla. Estoy segura que se divertirán tanto como yo. Aunque podría ser catalogada como una "chick flick" me atrevería a recomendarla a todos. Estoy segura de que el género masculino encontrará tan hilarante esta historia como las chicas.

Las interpretaciones de las dos protagonistas son geniales, se rumorea que Meryl Streep sería nominada al Oscar por este papel. Realmente Meryl se rectificó con creces de su mediocre papel en la también recientemente estrenada y reseñada, Prime.

domingo, septiembre 24, 2006

El mercader de Venecia

El ingenio de Shakespeare para combinar la comedia y el drama se ven reflejados perfectamente en esta obra. Una historia que nos recuerda que los temas tratados por este autor son actuales: sociedades divididas por la avaricia, la intolerancia de creencias, las formas de entender el amor...

Recuerdo que siendo una estudiante adolescente "El mercader de Venecia" llamó mi atención mucho más que Romeo y Julieta o Sueño de una noche de verano por su intriga y mayor grado de complejidad. Es por ello que sentí curiosidad por ver cómo esta historia que me había gustado tanto la habían transladado a la pantalla grande. Salí de la sala satisfecha.

Shakespeare presenta una Venecia el siglo XVI dividida entre cristianos y judíos. Una sociedad dividida pero unida por la codicia de ambos grupos. Los primeros desprecian a los últimos, pero aceptan su dinero y formas de negocio. Los últimos aceptan el desprecio por los beneficios económicos que les representa. El mercader de Venecia es Antonio, un negociante cristiano, que por ayudar a su amigo Basanio se ve en la necesidad de pedir dinero a Shylock, un prestamista judío. El rencor que lleva Shylock por ser discriminado lo lleva a pedir algo inaudito en caso de que Antonio no cumpla con pagar su deuda: una libra de su carne.

Lamentablemente, los negocios de Antonio fracasan y no puede pagar su deuda a tiempo. Es llevado a la corte veneciana poniendo en dificultades a las autoridades. El contrato es válido y si no cumplen con la ley, se crearía un mal precedente. Antes de que se efectúe la sentencia aparece un personaje inesperado que dará un giro increíble a la historia.

Las actuaciones de Jeremy Irons (Antonio) y sobretodo de Al Pacino (Shylock) son excelentes. También destaca Lynn Collins (Portia, la amada joven por Basanio). Uno de los logros del director Michael Radford (Il Postino) es haber creado junto a Al Pacino un personaje que despierta odio, pero a la vez compasión.

jueves, septiembre 21, 2006

2do. Festival de Cine Latinoaméricano de Sydney

Definitivamente Latinoamérica es la verdadera tierra de las oportunidades. Así lo demuestra la convocatoria al 2do. Festival de Cine Latinoaméricano de Sydney, SLAFF, para todos auellos que deseen dar a conocer sus trabajos, quieran cruzar el continente y atravesar el mar para llegar en febrero del 2007 a exponer su arte cinematográfico en la ciudad australiana.

Como es común en este tipo de eventos, la idea no sólo es proyectar los trabajos participantes (abarca largometrajes, documentales, cortos y videos). El SLAFF fomenta la presencia de distribuidores así como propone que las películas sean exhibidas comercialmente después del evento. Igualmente, motiva a representantes de cadenas de cable y televisión interesados en el cine latinoamericano.

El Festival de Cine Latinoamericano de Sydney, SLAFF, es una entidad sin fines de lucro, compuesta por un dedicado grupo de voluntarios con experiencia en marketing, publicidad, comunicación y cine, quienes comparten un profundo interés común por el cine y la cultura latinoamericana. Fomentan relaciones con organizaciones de desarrollo comunitario, a nivel local y en el extranjero. Los ingresos que se obtienen en el SLAFF son dirigidos a diferentes proyectos en América Latina.

Entrevista
Como no quería quedarme con la espina, me puse en contacto con Jorge Echevarría, miembro del staff organizador del SLAFF.
Yayo: ¿Cuál es el objetivo del Festival?
Jorge Echevarría: El Festival tiene dos intenciones. Primero, promover y crear interés en el cine latinoamericano, y segundo, distribuir los fondos entre organizaciones de desarrollo comunitario en la región.

Y: ¿Qué se tiene preparado para la edición del 2007?
JE: Para la edición del 2007 esperamos exhibir más películas y secciones en el programa de actividades Esperamos también poder tener como invitado un director/a o productor/a. Algo nuevo este año también es la convocatoria a artistas locales (residentes en Australia de cualquier origen) a participar en el evento.

Y: ¿Qué me puedes comentar de las experiencias anteriores del Festival?
JE: El primer Festival, aunque modesto en la cantidad de películas, en el programa y el haberse presentado sólo de viernes a domingo en dos diferentes localidades, fue un suceso en cuanto a asistencia y el reconocimiento de la comunidad latina y cineasta en general. El tener como invitado al director cubano Juan Carlos Cremata Malberti y a conocidos directores de cine australianos, le dio validez a nuestra meta de fomentar relaciones entre las comunidades cineastas de Latinoamérica y Australia.

Y: ¿Cuáles son los frutos culturales y sociales obtenidos?
JE: Los frutos culturales se presentan en ambos lados del Pacifico; en Sydney, el acercamiento de la comunidad latinoamericana a un medio que no existía antes y, en Latinoamérica y/o el resto del mundo, las puertas abiertas para cineastas que quieran expresar el sentimiento latino a través de su arte, al punto que hay varios distribuidores pendientes de nuestro festival, esperando asegurar representación. Socialmente el grupo de voluntarios que ha crecido y forma parte de reuniones semanales, trabajando por las metas del festival. En Latinoamérica, los frutos sociales se reflejan a través de la donación de fondos a diversas entidades.

Y: ¿Qué proyectos en Latinoamérica han sido beneficiados con el Festival?
JE: Los fondos obtenidos en el 2006 se han repartido entre las siguientes organizaciones: Ground Work Foundation, La Luciernaga y Books for a better world.
También apoyamos, dentro de la capacidad de nuestros recursos a cineastas independientes o instituciones que se nos presentan a través de películas o documentales.

Contactos:
Me informé que el SLAFF abre las posibilidades a todos aquellos que aprecian el buen cine (no sólo este blog) y desean involucrarse en actividades promovidas por instituciones como esta. Por eso invitan a todos quienes quieran forma parte del staff de voluntarios, informándose de esto en el link de Voluntarios o través del correo del Festival.
De igual manera para obtener cualquier otra información o comunicarse con la delegada para América Latina y el Caribe, pueden escribir a Mariella Stuart.

Una buenísima oportunidad para quienes tienen la habilidad, no sólo de ver cine, sino de hacerlo. Ingresen a la web del Festival y podrán descargar mayor información.

miércoles, septiembre 20, 2006

Hombre de Familia: Decisiones...

Si bien no coloqué Hombre de familia (2000) en mi lista de Top 5, definitivamente es una película que me toca y por ende, es de mis favoritas. La he visto varias veces y siempre me hace botar mis lagrimotas.

Es la historia de Jack Campbell (Nicholas Cage, The Weather Man /The Lord of War), un exitoso hombre de negocios en Mahattan, lleno de dinero y de mujeres. Cerca a Navidad recibe la llamada de su ex-novia de la universidad... En el camino a casa sufrirá un accidente y un ángel le permite dar una mirada a como sería su vida si hubiera tomado la decisión de quedarse con su novia Kate (Téa Leoni) y no haberse mudado a Londres. Así Jack se despierta al día siguiente en la cama con Kate, dos hijos y un perro babeándole la cara, en los suburbios de Nueva York.

Como se comprenderá, al principio la pasa pésimo, pero se va adaptando y llega a amar esa vida "clase mediera", pero llena de cariño, cosa de lo que carecía su vida "wall street". Entiende que debió haber optado por la vida con Kate. Ella misma le dice: "yo aposté por nosotros". Cuando Jack ya es todo un hombre de familia, tiene un nuevo encuentro con el ángel y le pide que no le devuelva su antigua vida, sin embargo, el ángel le advierte que esto sólo había sido una mirada y que como tal, no era real.

Jack se despierta en su gran departamento neoyorkino y por supuesto busca a Kate en la actualidad, pero ella se está mudando a Francia, sólo lo había llamado para devolverle una caja con objetos personales. Jack la persigue al aeropuerto y le pide "apostar por ellos". La película no nos dice si ello ocurrirá pero cierra positivamente con los dos personajes tomando un café... Hay esperanza.

En fin, les conté todo el rollo. Espero no estar siendo una spoiler para nadie porque esta película ya tiene sus años. Me entusiasmé pues y es que siempre me llaman la atención las películas en donde se ve como una sola decisión puede cambiar toda tu vida. Algo tan trivial como ir no ir a una fiesta puede significar la diferencia entre conocer o no conocer al futuro padre de tus hijos. A veces las decisiones, como en el caso de esta película, son evidentemente más importantes: Jack debía optar por el éxito profesional (irse a Londres/el deber) o por el amor (quedarse con Kate/el querer).

El director, Brett Ratner, es el mismo de X-Men 3.

martes, septiembre 19, 2006

Madeinusa - ¿El regreso del Cine Peruano?

Claudia Llosa invade el cine con una producción peruano-española, que narra las aventuras y desventuras de una niña de 14 años llamada Madeinusa. Ella vive en un pequeño pueblo de fervientes costumbres religiosas al costado de la cordillera blanca pero que cuando llegan los últimos dos dias de semana santa antes de la resurreción de Jesús creen que todo se puede hacer sin remordimiento ya que Dios está muerto y no existe el pecado.

¿Es buena o es mala?
No lo voy a negar te engancha con el desconcierto de los sucesos, y te invita a saber que esta pasando en ese pueblo, así como con inusitada naturalidad presentan aspectos sobre los ritos de la iniciación sexual, el incesto y la muerte de un familiar.

Te contaré un secreto
"El Mudo" un chofer de camión, narra como su hermano ha ganado el titulo de "El Alemán", su pasajero del día Salvador solo sonríe y mastica hojas de coca para contrarestar el soroche. Salvador viene de Lima y al no poder continuar su viaje tendrá que quedarse en Manayaycuna

La altura es brava, el soroche tumba a cualquiera, sin embargo Salvador está determinado a llegar a la mina donde tiene que trabajar, en el pueblo conocerá a Madeinusa justo cuando es elegida como la más bella y que representará a la Virgen en Semana Santa.

Y les contaría más pero la historia perdería su encanto, asi como el final que da un giro inesperado.

Reparto:
Madeinusa (Magaly Solier), su hermana Chale (Yiliana Chong), Salvador (Carlos de la Torre) , el alcalde el señor Cayo (Juan Ubaldo Huamán)

Claudia Llosa vive en Madrid, Juan Ubaldo Huamán es un conocido cómico ambulante y Magaly Solier un descubrimiento artistico de la propia Claudia.

Nota mental:
Como me gustaría que esta película sea 100% producto nacional.

Fotos:
Muy pronto ya que blogspot no me deja subir nada.

domingo, septiembre 17, 2006

You, me and Dupree

Carl (Matt Dillon) y Molly Peterson (Kate Hudson) acaban de casarse. Parecen estar hechos el uno para el otro y la vida aparenta tener los ideales matices de un cuento rosa, salvo por un detalle: el padre de Molly, interpretado (Michael Douglas) ha decidido hacerle la vida imposible al flamante esposo, que es a la postre, empleado suyo. Como si esto fuera poco, aparece Dupree, el mejor amigo de Carl, quien se instala en el hogar de los recién casados, quienes comienzan esta nueva vida al lado de este incómodo y alocado huesped que les transforma la existencia.

Este es en resumen la trama de esta comedia ligera que aún no llega a los cines peruanos. Owen Wilson aprovecha aquí la fama acumulada desde sus comienzos al lado de su amigo Ben Stiller, con quien compartió roles en Zoolander. You, me and Dupree es un proyecto que se centra en la imagen de Wilson, que construye aquí un personaje de niño grande, cuyas travesuras se perdonan por ser bien intencionadas y por llevar detrás una especie de filosofía que termina transformando la vida de cientos de personas.

Esta es, sin embargo, una comedia predecible, con demasiados lugares comunes y escenas repetidas de otras cintas del género. Un producto más de la industria de consumo fácil que ensalza al personaje central sin que el director o el mismo actor logren que se convierta en entrañable para el espectador. Se nota además que acudieron a la fórmula fácil consistente en ubicar a un actor "serio" -en este caso Michael Douglas- en el papel de suegro severo e intolerante. No hace falta ser demasiado exhaustivo para darse cuenta que este es un recurso copiado de Meet the Parents con el genial Robert De Niro, muy superior, en mi opinión, a la performance de Douglas en esta cinta.

No deben esperar demasiado de esta película simplona. Es de aquellas que podrían verse en cable un domingo a las tres de la tarde, si por ahí no hay mejores opciones o planes fuera.

Dato curioso: Entre las primeras películas de Wilson está Anaconda (1997), la cinta que dirigió el peruano Lucho Llosa, aquella en la que Jennifer López aún usaba el cabello negro y ni soñaba en convertirse en pseudo diva pop.

viernes, septiembre 15, 2006

The Guardian

“Cuando debido a las tormentas los puertos cierran, nosotros salimos. Cuando los huracanes obligan a la Marina de los EE.UU. a permanecer en tierra, nosotros salimos. Cuando el mismo Dios desciende del cielo y decide destruir Su Creación con vientos que arrancan las casas de sus cimientos, nosotros salimos... Si por milagro, tú tienes lo que hace falta para convertirte en uno de nosotros, puedes estar seguro que vivirás con un salario insuficiente y con la indiscutible posibilidad de morir lentamente, con frío y solo en algún lugar del vasto mar. Tendrás sin embargo, la oportunidad de salvar vidas”.
“THE GUARDIAN”

El director de "Daño colateral" y "El Fugitivo", regresa a la gran pantalla en una nueva producción que resalta el valor humano y la labor de muchas personas que, al igual que lo que se pretende destacar en películas como World Trade Center, portan un uniforme y cumplen más allá de su deber. Andrew Davis dirige "The Guardian", una historia apasionante y espeluznante de gran valentía y sacrificio desinteresado ambientada dentro del mundo jamás antes visto del Coast Guard Rescue Swimmers (Socorristas Acuáticos de la Guardia Costera)—una clase especial de hombres y mujeres que arriesgan sus vidas luchando contra las más grandes tormentas y las olas más monstruosas en honor a su lema: “¡Para que otros puedan vivir!”

La historia gira en torno al legendario socorrista acuático Ben Randall (Kevin Costner) quien se convierte en el único superviviente de un funesto accidente en medio de una terrible tormenta. Después del accidente, es enviado en contra de su voluntad a ejercer como maestro en “A” School – el programa élite de entrenamiento que vuelve a reclutas jóvenes y arrogantes en los mejores y más valientes Socorristas Acuáticos. Luego de utilizar métodos poco convencionales con los nuevos alumnos, Ben entiende exactamente lo que está en riesgo – él sabe que sus estudiantes un día tendrán que tomar decisiones difíciles, como la de quién muere y quién vive.

Cuando se topa con el pedante campeón de natación, Jake Fischer (Ashton Kutcher), Ben lo ve como alguien que tiene lo que hace falta para ser el mejor de los mejores – si solamente pudiera combinar su talento sin refinar con el corazón y la dedicación necesaria y evitar los errores que Ben mismo cometió.

Amenaza con ser una buena película, llena de buenas escenas en el mar y resaltando siempre la valentía y el heroísmo. La esperamos con ansias.

Datos de la película:
  • Su estreno está programado para el 29 de setiembre.
  • Costner dijo: "Ben me recuerda a esos grandes atletas como Michael Jordan que continuamente regresan a pesar de haberse jubilado porque aún sienten esa sed y no pueden deshacerse de ella".
  • El reparto está integrado no solamente de jóvenes actores sino también de varios nadadores olímpicos de nivel, triatletas competitivos y un par de Socorristas Acuáticos de la vida real.
  • Fue originalmente programada para filmarse en New Orleans, pero tuvieron que trasladarse a Shreveport, Louisiana después que llegara el huracán Katrina y destruyera gran parte de la ciudad.


jueves, septiembre 14, 2006

Locas Vacaciones sobre Ruedas


Robin Williams regresa al genero cinematográfico de la comedia despues de varios y duros golpes al incursionar en el drama y suspenso. Locas Vacaciones sobre Ruedas es la historia de Bob Munro, su famiila, su empresa, y la hazaña de ser buen padre.

Clasificación:
Comedia americana que no cae en los excesos para hace los chistes. Aunque no lo crean no hay eructos, flatulencias ni escupitajos. Es una cosas extraña para el humor gringo.
De los 10 puntos maximos, le otorgo un 7: Mirable y con gags absurdos que hacen reir. Vayan a verla, pero cuidado se atoren con la canchita.

Comenzó la aventura
Bob prometió vacaciones en Hawai, pero lo que no sabe su esposa Jamie (Cheryl Hines), su hija Cassie (Joanna Levesque) y su hijo Carl (Josh Hutcherson) es que los planes han cambiado y el destino será nada más y nada menos que Colorado. Esto se debe a que su empleo esta en la cuerda floja por un incidente en una recepción con su jefe.

Todos a bordo de un bus-casa
Que mejor plan que salvar el empleo, unir a la familia y viajar en una "Camper". Con lo que no contaba Bob es que el resentimiento famiilar haran que los dias sean un infierno.

Sinopsis
Bob esta a punto de perder el empleo, se vera forzado a cambiar sus vacaciones de Hawai a Colorado para poder asistir al cierre de un trato.

En el camino su familia llena de resentimiento le haran la vida imposible, conocerán las angustias de vivir en el ambiente semi rural, lucharán contra mapaches asesinos, lluvias torrenciales, fallos en el vehiculo y además de las desventuras del pobre Bob mientras intenta salvaguardar los ingresos familiares.


Y todo coronado con un final insospechado.

miércoles, septiembre 13, 2006

Lo último del hombre murciélago

¿Un adelanto de la secuela de Batman Begins de Christopher Nolan? Si no es así, podremos ver una nueva faceta del Caballero de la noche.

martes, septiembre 12, 2006

¡Apoyemos el cine nacional!

¿Quieres colaborar con la producción nacional y divertirte a la misma vez? Esta es tu oportunidad: el jueves 14, La Sede será el escenario de una fiesta pro-fondos el cortometraje peruano: Taxista. 10 soles nomás y te incluye la chela.

lunes, septiembre 11, 2006

La película perdida de Ron Howard

El otro día me encontré en cable con esta película de la cual nunca había escuchado, a pesar de sus buenos créditos: The Missing (2003), Perdidos o Desaparecidos en español. No sólo cuenta con un director reconocido como Ron Howard (El Código DaVinci), sino con dos actorazos por protagonistas: Tommy Lee Jones (Men in Black) y Cate Blanchett (El señor de los anillos).

La acción transcurre en el lejano oeste de los EE.UU. con indios y vaqueros por personajes. Maggie (Blanchet) es una decida mujer doctora que cría sola a sus dos hijas, Lily, interpretada por Evan Rachel Wood (Adorablemente Enojada), una adolescente que no se siente parte del mundo campesino de su madre y reniega de ella. Más tarde descubriremos que ella fue producto de una violación y por ello la relación madre-hija es a veces muy tensa. La segunda hija, Dot, producto de un matrimonio posterior, es una cariñosa y temeraria niña, opuesta a su hermana menor y muy parecida a su madre. En mi opinión, la interpretación de Dot es magistral y está a cargo de Jenna Boyd (la niña del afiche), quien hasta el momento ha sido actriz mas que nada de televisión. Bien asesorada esta ñiñita tiene futuro en la industria. ¡Cuídate Dakota!

Un buen día aparece un blanco con pinta de indio (Tommy Lee Jones) y resulta ser el padre que había abandonado a Maggie cuando niña, y a quien ella culpa por la muerte de su madre y hermano. Él requiere atención médica, pero más que nada busca reconciliarse con su hija dándole dinero para sus nietas, pero Maggie no lo acepta, pues lo desprecia, sólo lo atiende y luego lo bota de su propiedad. Sin embargo, más adelante lo requerirá, pues los indios raptarán a su hija mayor para venderla en la frontera de México y sólo un indio puede rastrear a un indio... Y así comienza la reconstrucción de la familia en medio de diversas y salvajes aventuras en el viejo oeste norteamericano, con actuaciones muy bien logradas por parte de todos.

Si les gusta las películas western, no se pueden perder ésta.

Notas:

  • La película está basada en la novela de Thomas Eidson, "La última cabalgata".
  • Los personajes indios hablan verdadero chiricahua apache, incluyendo a Tommy Lee Jones.
  • Lo dicho, la buena actuación de Jeena Boyd la hizo acreedora del premio Young Artist Award.